los modos griegos

Los modos griegos se pueden entender en un piano donde solo se tocan las teclas blancas y se forman nuevas escalas; Cada escala tiene una diferencia de distancia entre notas entre si-do, y mi-fa hay un semitono de distancia y en las demás un tono. Al ir cambiando el orden de las notas va cambiando estas distancias entre notas se van generando diferentes patrones de escalas lo que comúnmente se conoce como intervalos. Esta distancia entre las notas hace que cada escala suene distintas.

Hay 7 modos: Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico, y Locrio.

1)       do, re, mi, fa, sol, la, si, do

2)      re, mi, fa, sol, la, si, do, re

3)      mi, fa, sol, la, si, do, re, mi

4)      Fa, sol, la, si, do, re, mi, fa

5)      So, la, si, do, re, mi, fa, sol

6)      La, si, do , re, mi, fa, sol, la,

7)      Si,  do, re, mi , fa, sol , la, si

Es decir, un modo griego es una serie de escalas musicales que se puede construir si se usan las notas de una escala mayor cambiando el “punto de partida” y a cada escala le corresponde un grado

Jónico: I grado

Dórico: II grado

Frigio: III grado

Lidio: IV grado

Mixolidio : V grado

Eólico: VI grado

Locrio: VII

corales

EL CORAL

En sentido estricto y propio, se llaman corales a las melodías religiosas populares sobre texto en alemán o latín, usadas preferentemente en la  iglesia

Los textos y la música de los primeros corales eran adaptaciones de himnos, antífonas y canciones profanas, anteriores a la Reforma.

Las melodías suelen ser sólidas y austeras, sin ninguna ornamentación. Los corales del S.XVI se cantaban al unísono. Posteriormente, se armonizaron de forma sencilla para las cuatro voces humanas, siendo la voz superior de la mujer (soprano) la que portaba la melodía. El desarrollo de este estilo coral alcanzó su punto culminante en las armonizaciones de J.S.Bach.

La forma del coral es muy simple, y los periodos musicales de que está compuesto están acoplados a la rítmica del texto, para que pueda entenderse con facilidad. El término coral ha sido utilizado tanto para el canto al unísono como polifónico 

formas musicales

Formas musicales

Básicamente, cuando en música hablamos de "forma musical" o simplemente de "forma", estamos haciendo referencia a un tipo determinado de obra musical. La forma es algo más que una simple estructura musical: es el vehículo idóneo que elige el compositor para transmitir todo aquello que quiere expresar.

• 
  Formas simples: son breves o constan de un solo movimiento (nocturno, rondó)
• Formas complejas: son extensas y constan de varios movimientos (sinfonía, sonatas, concierto, suite, oratorio, ópera, etc.)
• Formas instrumentales: sólo intervienen en ellas instrumentos musicales
• Formas vocales: intervienen en ellas la voz humana
• Formas mixtas: que son o han sido tanto vocales como instrumentales
• Formas libres: si no tienen una estructura definida 
  
  

  Instrumentales	Vocales	Mixtas
  allemande arabesco/arabesca badinerie bagatela ballet barcarola batalla berceuse bourrée capricho cassazione chacona concierto courante cuarteto diferencias divertimento estudio fantasía fuga gallarda giga impromptu invención marcha mazurca minué misterio momento musical musette nocturno obertura partita pasacalle pavana poema poema sinfónico polca preludio rapsodia ricercare rondó scherzo sinfonía sinfonía concertante sinfonietta sonata sonatina suite tiento tocata trío vals variación zarabanda	aria de bravura arietta ariosso canción cantata canto gregoriano  cavatina concertante coral duo lied madrigal misa motete opera opereta oratorio pasión salmo recitativo requiem villancico zarzuela	aria balada canon elegía habanera intermezzo romanza/romance serenata

bajo cifrado y bajo continuo

barroco y suite barroca

música barroca

surge  entre  1600 y 1750.  El desarrollo musical del barroco puede describirse en tres fases, barroco primitivo, medio y tardío, y que coinciden, más o menos, con periodos de 50 años.

Los compositores utilizan texturas musicales ligeras y homófonas.
.El bajo continuo, o bajo cifrado, se convierte en el cimiento musical de la mayor parte de las composiciones.
Se preserva un mismo clima o sentimiento musical a lo largo de toda la pieza.
La familia de violines reemplaza a la de las violas antiguas. La orquesta comienza a tomar forma, siendo su componente principal de cuerdas.

El sistema de modos cae en desuso por completo hacia el final del siglo XVII. Se basa ahora en el sistema de escalas mayores y menores.

Formas musicales características utilizadas por compositores del Barroco: binaria, ternaria, las variaciones, la forma, ritornello, la fuga.

En esta época se desarrollan la sonata, el concierto grosso, la opera, el oratorio y el ballet francés.
A diferencia de las anteriores épocas, la música sacra y la música profana, la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.


El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.

musica instrumental 

El Barroco conoció la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles y vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término. Nacida durante el siglo XVI en ambientes populares, la familia del violín (violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los Stradivari y los Amati

La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tuvo un auge sin precedentes en los siglos XVII y XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental estaban en plena igualdad. Hubo un gran florecimiento en formas musicales, técnicas, intérpretes y compositores, que poseían ya un profundo conocimiento de la técnica de los instrumentos, al servicio de una fuerte expresión emocional

La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas y el concerto groso


Una suite es una obra musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danza barroca. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII. Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una allemande, de ritmo rápido; luego una courante y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la Giga (danza). La suite tuvo su apogeo con Händel y Johann Sebastian Bach durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”,
Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta, como conjunto en el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica, de suerte que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos. Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos violines y un violoncello). A las obras así escritas se les llamó concerti grossi.
Tras su primera aparición en la escuela de Bolonia, los concerti grossi fueron difundidos por toda Europa


La forma ha recibido nombres diversos según la época, país y compositor, entre ellos:
Ordre (en Francia);
Partita (en Alemania, aunque el término es italiano, en los siglos XVI y XVII);
Sonata (en Italia, antes de la transformación de la suite y del nacimiento de la sonata clásica).
Además, la suite está formada por piezas básicas y piezas no básicas.
Piezas básicas:
Allemande alemana(danza cortesana para una línea de parejas)
Courante francesa (danza viva)
Zarabanda española(danza pausada de origen español)
Giga inglesa (danza rápida y llena de vida), siempre cierra la suite barroca.
Piezas no básicas
Obertura o más comúnmente un Preludio, con el que se da comienzo y unidad a la suite.
Rondó (Rondeau)
Bourrée
Gavota (Gavotte)
Pavana
Gallarda
Minueto
Forlane
Passepied, pasapiés
Siciliana
Chacona
Musette
Hornpipe
Air


 Entre los músicos del Barroco destacan:
 Johann Sebastian Bach  1685-1750. corales preludios tocatas, fugas,
 Georg Friedrich Händel 1685-1759. operas y oratorios
 Antonio Vivaldi, 1678-1741 compositor violinista  
Henry Purcell.1659-1695
johann christoph pachelbel. 1653-1706. 
jena baptiste lully 1632-1687. violinista y bailarin compositor.
gaspar sanz. 1640-1710. compositor de la danza de las hachas

Bibliografía:
Formas y estilos musicales de occidente, Huberto zanolli. Escuela nacional preparatoria, universidad autónoma de México, 1992, pp.105-106
Temas de cultura musical, Gustavo carrillo paz y Fernando Cataño m., trillas, pp. 24-25 

ley de los armonicos

Ley de Armónicos

La ley de armónicos se fundamenta en la serie de armónicos naturales que genera un sonido. 

en un piano la nota es un conjunto de sonidos individuales  es decir frecuencias distintas sonando juntoa, ya que sus cuerdas vibran de modo que general los armónicos  es decir los sonidos individuales.

a los armónicos del piano se les llama parciales y al primer parcial se le llama fundamental; la nota central del piano vibra a 440hz. y los parciales de la nota vibran a multiplo exactos de 440Hz. es decir 880Hz. , 1320, 1760Hz....etc.